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Pendant la durée de la manifestation, le collectif Luck You investira le water-bar du restaurant pour créer un pont entre la culture jeune de New York et de Paris, à travers des rencontres quʼils feront sur place, via des photos, des graffitis, des dessins et des évènements (ateliers, concerts etc). Leurs portraits, fait par David Mushegain, feront aussi partie de lʼexposition.

Entre art et publicité, Jim Krantz a souvent brouillé les pistes de la photo traditionnelle. Rencontre avec un photographe américain à la conquête du “Wild wild west”.

Élu Photographe International de l’année aux derniers Lucie Awards à New York, cet ancien élève d’Ansel Adams compte à son actif les campagnes publicitaires pour des marques comme Jack Daniels, Nokia, Marlboro ou tout  récemment pour le designer Adam Kimmel. Sa vision poétique et virile de la condition masculine a même séduit l’armée américaine qui en a fait son photographe attitré. Jim Krantz poursuit ainsi son alchimie entre impératifs commerciaux et photographie d’art en composant des images à couper le souffle. 
 

Comment vous vous êtes dirigé vers la photographie ? Qu’est-ce qui vous a attiré dans cette discipline ? — Il s’agit d’abord d’une passion familiale. Mon grand-père maternel était peintre, travaillant le bois, le cuivre, il sculptait. C’était un personnage de la Renaissance ! Dans ma plus tendre enfance, j’ai passé tous mes samedis avec lui, pour apprendre à devenir artiste.

 Vous étiez où ?  — Ohama, Nebraska. Pile au milieu du Midwest. Impossible de faire plus au centre. On s’imagine très mal qu’une forme d’art quelconque ait pu venir de là-bas. Rien à voir avec l’excitation de New York ou de Chicago… Surtout dans les sixties, quand Internet n’existait pas et les transports n’étaient pas aussi développés qu’aujourd’hui. 

Il y avait un appareil-photo à la maison ? — Mon père en avait un. Et, comment dire… C’était le sien ! Mais quand mon grand-père a eu une attaque, il m’a confié l’appareil qui lui servait à répertorier son travail. Il m’a dit : Prends tout ce que tu peux avec. Fais-en le meilleur usage jusqu’à que j’aille mieux. J’ai shooté, shooté, shooté. D’ailleurs, j’ai encore cet appareil aujourd’hui… Même s’il ne me sert plus autant !

Avez-vous un jour envisagé de faire autre chose ?  — Jamais. J’ai toujours grandi en rêvant d’étudier la photo. Et d’en vivre et c’est ce que j’ai fait ! C’est drôle parce l’envie de faire ce métier ne m’a pas quitté une seconde depuis mon plus jeune âge. Tout m’intéressait sur ce sujet, je lisais beaucoup, on peut dire que j’étais focus. D’avoir vu mon grand-père rester un enfant jusqu’au bout me surmotivait, même si son esthétique était un peu abstraite. Après la technique, il fallait l’inspiration, pour pouvoir composer une image. Et ça ne s’apprend pas. Il y a une raison qui vous dépasse et vous pousse à faire les choses.  

Mais on sent chez vous un amour de la pellicule…  — J’aime les négatifs, oui. Ils sont plus importants que la photo elle-même. Sans un bon négatif, pas de bonne photo ! Disons que le négatif est l’œuvre tandis que la photo est la performance. L’important est de pouvoir pré-visualiser, au lieu de shooter n’importe comment en se disant que l’on se rattrapera en post-prod numérique. Travailler à l’ancienne permet de mieux réfléchir à ce que l’on shoote, au lieu de dire : on s’engueule et on s’explique après. On obtient la rareté, l’exception en pré-visualisant. 

Il parait qu’Ed Ruscha avait une heure de conduite pour aller à son atelier, d’ou est né son style flouté. Quand vous voyez ses peintures, c’est comme si vous conduisiez… — J’adore ça. C’est totalement dans mon esthétique. L’important, c’est de voir, de libérer son regard, et cela n’a rien à voir avec l’ouverture de diaphragme ou la vitesse d’obturation. L’art est une initiation à la liberté. 

Quand vous a-t-on contacté la première fois pour faire une campagne Marlboro ? — Je ne m’attendais pas à un travail aussi énorme et complexe. Renouveler l’iconographie du cow-boy en restant dans les classiques du genre demande une certaine exigence. C’est comme pour photographier un grille-pain : on peut viser la qualité des musées mais l’important c’est d’apporter une touche personnelle. Vous savez à qui j’ai pensé pendant la campagne Marlboro ? Aux photos de coquillages d’Edward Weston. Je me disais comment il aurait shooté ça ?
 
Vous avez toujours travaillé en artiste. — Je n’ai jamais fait de distinction entre travail commercial et artistique tout simplement parce que je n’ai jamais considéré la photographie comme un travail. Je ne savais même pas qu’il y avait des jobs dans la photo. 

La rencontre avec Ansel Adams a tout bousculé… — Tous les gens qui étaient autour de lui comme Brett Weston, Morley Baer, Imogen Cunningham et toute la vague du Groupe f/64, il y avait aussi Lucien Clergue, ces glorieux aînés que j’ai eu la chance de côtoyer pendant mes études en atelier. Vous connaissez peut-être le slogan la jeunesse est gaspillée par les jeunes ? C’est de moi ! J’ai adoré faire partie de cette époque. Je ne dis pas que c’était mieux avant, surtout dans le domaine de l’image où tout va très vite, c’est très excitant … Mais nous avons encore tellement à apprendre.

Toujours sur la brèche, Hedi Slimane continue son foisonnant parcours artistique avec cette saison la production d’une exposition et l’édition d’une monographie.

Installé depuis deux ans à Los Angeles, Hedi Slimane propose, en collaboration avec la galerie Almine Rech, une exposition intitulée California dreamin – Myths and legends of Los angeles. Il y invite une dizaine d’artistes stars de la scène californienne, comme le génial Ed Rusha ou le post-moderne John Baldessari autour de l’idée que “l’approche se fait par les symboles, les signes et les fragments, une sémantique réduite, en noir et/ou blanc, par la mémoire ou la mythologie intime ou au contraire publique et de propagande”. Des œuvres de Dennis Hopper récemment disparu feront également partie de l’exposition.

Côté édition, Slimane signe une monographie, regroupant ses photographies de mode, datant de ses collaborations avec Yves Saint Laurent et Dior Homme. Cette époque, où il a révolutionné le monde de la mode homme, en composant sa fameuse silhouette dandy-rock. Ce coffret de 4 volumes donne aussi l’occasion de voir ou de revoir toutes ses images de la scène musicale, ses jeunes rockers, ses gamins androgynes et mélancoliques en noir et blanc, devenus la signature du photographe qui a le mieux su retranscrire la complexité et la fragilité d’une génération tiraillée entre l’urgence de l’époque et la nostalgie d’un paradis perdu. 

Après dix ans passés à donner vie à des clichés de mode, de sport ou de publicité, le photographe Hugues Lawson-Body consigne dans un ouvrage la jeunesse parisienne.

Fidèle à ses clichés de toujours, Hugues Lawson-Body s’attache  à magnifier et restituer l’humain au centre de ses travaux. Son dernier projet aura duré 3 ans, période de conception chargée d’énergie durant laquelle il capture au fil de ses coups de coeur, un public junior représentatifs de la capitale française. A partir de ces jeunes gens sollicités dans les rues de Paris, ces clichés “Street Style” apportent des réponses immédiates sur le poids de l’apparence, de l’appréciation personnelle et du jugement d’autrui; symptômes propres à toute une génération fragilisée et conditionnée par les diktats modernes. Un témoignage positif et bienveillant, parfois provocant, mais jamais moraliste. 

Véritable album de souvenir, cet incroyable livre de Stan Shaffer nous fait voyager dans l’univers excentrique et sexy de ces clichés de célébrités, d’Andy Warhol à Jerry Hall, en passant par Carla Bruni et Jerry Hall. Au croisement entre la mode, l’art et le cinéma, Stan Shaffer raconte sa carrère de faiseur d’icône dans un New York aux allures de Jungles.

Lara as Chicholina, Vogue Italie, 2007

Plus de trois cents photos retracent un quart de siècle de leurs créations. Présentant leurs campagnes publicitaires pour les plus grandes griffes internationales, ainsi que leurs publications majeures, cette exposition événement permet de plonger dans l’univers de ce duo mythique, qui a franchi avec succès la frontière entre l’art et la mode, tout en s’attirant la reconnaissance de ces deux milieux. Sans suivre un ordre chronologique, les combinaisons d’images montrent la façon dont Inez van Lamsweerde et Vinoodh Matadin ont vécu et vivent avec les images. Leur démarche créatrice passe avant tout par un rapport à des personnes, des icônes, des faits sociaux ou politiques. Comme l’illustre la rétrospective Pretty Much Everything – photographs 1985-2010, le dualisme et l’ambiguïté traversent toute leur création. Oeuvres d’art à part entière, leurs instantanés oscillent en effet entre l’horreur et la beauté, le grotesque et le calme, le spirituel et le banal. Ils ont toutefois en commun une créativité débordante et une volonté de transcender les codes, pour notre plus grand plaisir. Si le duo vit à New York depuis quinze ans, Amsterdam, qui a abrité leurs premiers travaux, leur offre une rétrospective riche et bien méritée.

Très bel ouvrage pour un zoom sur presque dix ans de carrière : le photographe Tom Munro expose son travail dans un livre compilant ses plus beaux clichés. 

Glamour, souvent en noir et blanc, ses portraits parus dans de grands magazines de mode restituent tout le charisme et l’attitude de leurs modèles. Sur deux cent quarante pages, on y croise – entre autres – Lady Gaga (presque) au naturel, Scarlett Johansson aussi fatale qu’à son habitude, Dustin Hoffman perché sur un panneau de basket, ou encore Justin Timberlake, Christina Ricci, Dakota Fanning… Fidèles à elles-mêmes, présentées dans leurs propres rôles dans un souci d’authenticité cher au photographe, ces stars en série sont cultes sans être commerciales et constituent un casting de haut niveau. Pourtant, dans une interview placée en introduction, cet ancien assistant de Steven Meisel avoue être arrivé à la photographie un peu par hasard en accompagnant sa petite amie mannequin sur les shootings. En 2001, il se réjouissait de photographier Johnny Depp, sa première grande star. Aujourd’hui, Madonna – avec qui il a multiplié les collaborations signe la préface de son livre.

Après ses séries Nollywood et Hyena and Other Men, le photographe Pieter Hugo immortalise trois nouvelles communautés masculines africaines.

Devant l’objectif de Pieter Hugo, des hommes, tous africains, paradent. On se souvient de la série Hyena and Other Men, où une troupe de dompteurs de hyènes, singes et serpents domestiqués posait fièrement avec ces animaux dangereux, pour immortaliser leur pouvoir. Depuis, le sud-africain a tourné son objectif vers d’autres communautés masculines : un groupe de boy scouts, un autre de catcheurs congolais, un troisième de supporters de foot.
De l’uniforme des premiers aux costumes extravagants des seconds, en passant par les tenues des troisièmes, le photographe saisit les moindres détails.
Entre inventaire de types sociaux et portraits individuels, ses images exaltent la frontière ténue qui sépare, dans toutes les sociétés, le personnel et le collectif. Car pour se distinguer, ces hommes empruntent une multitude de codes vestimentaires complexes, qui expriment tout autant leur singularité que leur appartenance à un groupe… Une vision qui pourrait être appliquée aux “tribus” urbaines (baby rockers, gangsta… ) d’Europe ou des Etats-Unis, et qui entre parfaitement en résonnance avec la Coupe du monde et ses  millions d’âmes de supporters tous unis dans un grand corps virtuel.

Les éditions Thames & Hudson publient un nouveau livre du photographe français Charles Fréger.

Dans la continuité de ces inventaires, Charles Fréger s’est intéressé aux gardes royales, princières, républicaines… Un travail de trois ans qui fait l’objet d’un livre, Empire, et d’une rencontre au Jeu de Paume le Jeudi 18 février
de 19h à 20h.